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  • 野生旅拍达人的逆袭,超低成本也能拍出爆款重庆!

    说到重庆,脑中立马浮现穿楼而过的轻轨,遍地麻辣鲜香的美食,还有连导航都搞不定的山路十八弯,5D魔幻山城绝对名副其实,文艺青年们的热情更是让这个火辣美丽的城市瞬间变成了旅拍热门取景地。前段时间刷爆新片场的纪录片《勒不是重庆》和《勒就是重庆》,从独特的角度打开了山城的另一面,让看了的人都想去重庆,也让在外乡的重庆人感慨万千。两部纪录片在新片场广受好评,《勒不是重庆》更是入选了2018新片场社区年度盘点,达到了质和量的双赢。创作人在远方的阿伦是一个土生土长的重庆人,对重庆有着独特的感情,同时作为资深工业设计师的他,将工业设计中对于人文的关注融进了纪录片,呈现出了一个完全不同的重庆。先放上镇场的两部作品,大家可以重温一下不一样的重庆。勒不是重庆勒就是重庆话说评论区的赞美都快溢出了屏幕,想问导演的问题也堆成了山,所以厂长采访了导演在远方的阿伦,大家想知道的都会一一揭晓。1关于创作硬件必不可少很多人看完都说整个旅程阿伦一个人就能把所有都搞定?非常好奇阿伦用了哪些设备,出发前做了哪些准备。这里很认真的告诉大家,阿伦真的是一个人完成了整个拍摄、剪辑和后期,当然,旅行也是一个人。“对我一个人来说,天上飞的无人机,地上用的相机以及GoPro都很重要,因为它们收集的素材内容都是大不相同的,使用场景也是不同的” 在这次旅程中阿伦主要使用了DJI Mavic2 Pro,Sony A7r2,Gopro 系列运动相机以及karma Grip稳定器。片头有点吸引人两部纪录片在片头就开始不走寻常路,这也是吸引住观众的最大原因,那这样的片头创作灵感来源于哪呢?之前网上流行一个段子,大致是“重庆是个连导航也不起作用的立体城市”,其实这从侧面折射出了重庆的山城道路和城市建筑特色,所以上集一开始阿伦就被导航坑在了高架桥上。“我把一段实实在在发生的“导航灾难”放在了影片开头,想平铺直叙地切入到“山城的日常”,通过这个段落来让观众快速的产生对重庆的第一印象。”真香警告式结构尽管两部纪录片的进度条都十分感人,但大家看完之后都还意犹未尽,20分钟的时长是怎么做到时刻抓人眼球的呢?想必大家对这两个镜头记忆深刻吧,嘴上说着不吃不吃,下一秒就端起碗吃得比谁都香;说好的认识交通茶馆老板,下一秒老板就说不喝茶就不要拍照。为什么要采用这种反转式的镜头组接?阿伦回答是:为什么不呢?这些小插曲细细回忆起来其实都是一些自然发生的,有意思但又特接地气的事儿,现在想起来都觉得非常开心。另外阿伦也想用一些跳跃的情节来突然打断观众逐渐下沉的情绪。谈到20分钟的纪录片如何组织结构、如何把握节奏和剪辑点,阿伦说这没有标准的答案,因为观众的口味永远都在改变,所以节奏也需要不停的改变。唯一能做的就是在剪辑的时候不停的回放之前的片段,试图从观众的角度来揣摩,看到那个片段时的心理活动和情感体会,接着再根据现有素材和逻辑关系来安插后续段落的节奏氛围。遗憾也是值得两部纪录片在新片场这么火,是阿伦没有预想到的。“貌似现在铺天盖地的都是小视频,两分钟,唰唰唰,整个旅程就结束了,拍完剪完之后,20分钟啊!啧啧啧,看完的人耐心得有多强啊!”事实证明好片子真的是经得起考验的,20分钟妥妥的没有尿点。问到有没有遗憾时,阿伦觉得多少都会有一些,因为在时间有限的情况下,一边旅行一边拍摄还要兼顾自身安全和素材的质量和数量,难免会有顾此失彼、很多细节和画面无法记录的时刻。“不过虽然有不完美的地方,但总体我还算是比较满意,至少每一次不管是在路上与远方,还是在围城里辛苦的制作,都会给我积累很多的经验。所以有遗憾,但我觉得这遗憾是值得的。”2关于情怀消失的城市记忆作为一名山城土著,阿伦说对老重庆是爱,对新重庆是喜欢。对于成长在这里的他来说,对城市记忆消失的遗憾,不只是粗暴地拆了老街,重新修几栋仿古建筑做商铺所带来的遗憾,而是城市粗犷发展,拆除之后又修建了很多只考虑商业效益而忽略了社群联系的复古建筑和街道,所以显得既不古香古色,又缺乏规划管理,还很难聚人气。“出生在重庆长江边上的小县城鱼洞,石板巷路、拱门善堂、盐仓油坊青瓦房、麻辣豆皮搅搅糖,勒都是我这个重庆娃儿的儿时回忆”而如今的鱼洞在城市改造过程中已经有了新的面貌,老街被铲平,商铺林立,那种如鲠在喉的感觉也是作为重庆娃儿才能体会到的吧。围城外的烟火气在上集里阿伦以自己的生活经历和记忆为线索,叙述了重庆城区在自己心里的份量和形象,诚如片尾所述,片中见到的繁华灯火和高大楼宇并不能代表真实的重庆,于是在下集阿伦驱车前往了重庆最偏远、经济最落后的两个区县一探究竟。就如阿伦所说:“对于那些偏远较贫困的山区,我想很多重庆人,包括我自己都不熟悉。但对我来说,重庆不仅仅在那些光鲜亮丽的钢筋水泥和璀璨灯火里,还在三峡两岸的崇山峻岭之中。”城市和村落,水泥与土地,围城内外合在一起,才能表达和反映出一个真实的重庆。3关于自己纪录生活和远方从资深工业设计师到旅拍记录者,阿伦觉得两者有异曲同工之处,工业设计是在感性和理性之间来回纠缠,从个人创意到集体协作之间的妥协与碰撞,其实跟一个人旅拍记录的孤独历程非常相似。“从工业设计师到旅拍纪录者,没有太多的改变我的想法和初衷:找灵感,说故事,许梦想,这一路走来都是如此。我既没有放弃工业设计,也没有放弃记录生活和寻找远方,因为它们都是我曾经好好生活在这个蓝色星球上的证据和回忆。”一个人在路上很多人看完片子后都会觉得阿伦是个特别幽默的人,并且踊跃举手想和阿伦同行。对于这个问题阿伦回答是:“幽默有趣吗?还行吧,不然这42000公里咋熬过来的呢?我一个人都可以跟导航里的女人吵半天。”你看,果然还是个幽默有趣的人啊。这次厂长也特意问了阿伦,为什么选择一个人在路上,有没有想过为自己的作品添一位“女主角”或者新的小伙伴吗?阿伦的回答很认真:“因为我每次出发并不是为了出去玩,而是为了去记录,这有些地方其实很危险,比如我会遇到高反和塌方;也会遇到无人区里的抢劫,陷车,甚至危险的动物……这些风险我愿意承担也能够承担,但我不能把同伴和其家人也一同带进这种风险,这违背我的初心,也不符合我的风格。”但是,想和阿伦同行的小伙伴也不要太失望,“这么说并不代表我是一个拒人千里的人,只是我更希望,不管是“女主角”还是“小伙伴”我们都应该在远方的路上萍水相逢,那样更简单,也更自然而然。”重庆这座火辣又文艺的城市吸引了很多人,在新片场社区年度盘点中也不乏一些关于重庆的好片,看完两部纪录片,大家有没有更想去重庆呢?在旅行中纪录美好是享受,也是展现自己看世界的的方式,希望更多的创作人用自己最擅长的方式,纪录更多的精彩,在远方的路上留下美好的记忆。最后附上阿伦的公众号和微博:公号:在远方微博:@在远方的阿伦

  • ASC公布电影摄影史上最伟大的100部电影

    对于电影来说,昨天是个大日子!是创立于1919年1月8日的美国电影摄影师协会(ASC)成立100周年的纪念日(美国电影摄影师协会100周年宣传片在文章结尾)作为百年庆典的一部分,该协会公布了在20世纪对于电影艺术与技术领域具有里程碑意义的100部影片名单。评选由美国电影摄影师协会的史蒂文·菲尔伯格(Steven Fierberg)组织,影片名单由美国电影摄影师协会成员投票决定,并且是世界上第一个由专业摄影指导评选而出的最佳电影名单。美国电影摄影师协会长期以来的使命之一,就是尊重和保存电影摄影史。而且随着美国电影摄影协会进入到下个一百年,进行评选的宗旨也是为了纪念电影摄影师们的重大成就,纪念那些推动了电影摄影行业艺术与技术革新的伟大电影摄影师们,时至今日我们仍能够感受到他们对于电影行业的贡献。这100部电影的名单将成为一个具有影响力的影像资料库,这个名单值得所有的电影摄影师关注,同时也是帮助学生、老师和电影爱好者们理解和感知电影摄影重要性的重要工具。这是1962年电影《阿拉伯的劳伦斯》拍摄时的花絮照片,地点是在特贝克,位于约旦Aquabi以东250英里外的无人区,而最近的水源在150英里以外,酷热难耐。该片的导演是大卫·里恩,摄影指导是弗雷迪·扬。这个影片名单代表了一部分风格、时代和视觉表现技巧,但最重要的是,它包含了对ASC成员具有启发性或影响力的电影,并对几代电影制作人都展现了持久的影响力。该名单前10部影片是通过投票数选出的,而其它90部电影的则不区分排名先后。因为名单的目地是为了引起人们对电影摄影师重要成就的关注,而不是为了表示某一项卓越成就比另一项更好。之所以选择1901年至2000年之间的电影制作影片名单,是因为这些电影拥有足够长的时间去经受时间的考验,能够产生足够持续的影响力。这100部电影的筛选是从每个ASC成员递交10~25部电影名称开始的,递交的都是对于他们来说在职业生涯中给予过启发的电影,甚至还因为其中某部电影而改变电影拍摄方式。并且协会还鼓励成员们提交他们认为被人们忽视或超脱当前时代具有前瞻性的电影。递交结束后,一份总名单被汇总统计下来,最后再由所有的ASC成员们投票选出他们认为最重要的影片。另外在接下来的几个月中,美国电影摄影师协会还将出版关于名单中的每部电影的详细文章和历史资料,以庆祝在美国电影摄影师协会的百年纪念中电影摄影所包含的丰富多样的艺术形式。TOP 101、《阿拉伯的劳伦斯》(1962)摄影指导:Freddie Young, BSC导演:大卫·里恩2、《银翼杀手》(1982)摄影指导:Jordan Cronenweth, ASC导演:雷德利·斯科特3、《现代启示录》(1979)摄影指导:Vittorio Storaro, ASC, AIC导演:弗朗西斯·福特·科波拉4、《公民凯恩》(1941)摄影指导:Gregg Toland, ASC导演:奥逊·威尔斯5、《教父》(1972)摄影指导:Gordon Willis, ASC导演:弗朗西斯·福特·科波拉6、《愤怒的公牛》(1980)摄影指导:Michael Chapman, ASC导演:马丁·斯科塞斯7、《同流者》(1970)摄影指导:Vittorio Storaro, ASC, AIC导演:贝纳尔多·贝托鲁奇8、《天堂之日》(1978)摄影指导:Néstor Almendros, ASC导演:泰伦斯·马力克9、《2001太空漫游》(1968)摄影指导:Geoffrey Unsworth, BSC副摄影指导:John Alcott, BSC导演:斯坦利·库布里克10、《法国贩毒网》(1971)摄影指导:Owen Roizman, ASC导演:威廉·弗莱德金Titles 11–100(按时间顺序排列)《大都会》 (1927)摄影指导:Karl Freund, ASC; Günther Rittau《拿破仑》 (1927)摄影指导:Leonce-Henri Burel, Jules Kruger, Joseph-Louis Mundwiller, 《日出》(1927)摄影指导:Charles Rosher Sr., ASC; Karl Struss, ASC《乱世佳人》 (1939)摄影指导:Ernest Haller, ASC《绿野仙踪》(1939)摄影指导:Harold Rosson, ASC《愤怒的葡萄》(1940)摄影指导:Gregg Toland, ASC《青山翠谷》(1941)摄影指导:Arthur C. Miller, ASC《卡萨布兰卡》 (1942)摄影指导:Arthur Edeson, ASC《伟大的安巴逊》(1942)摄影指导:Stanley Cortez, ASC《黑水仙》 (1947)摄影指导:Jack Cardiff, BSC《偷自行车的人》(1948)摄影指导:Carlo Montuori, 《红菱艳》(1948)摄影指导:Jack Cardiff, BSC《第三人》(1949)摄影指导:Robert Krasker, BSC《罗生门》 (1950)摄影指导:Kazuo Miyagawa《日落大道》(1950)摄影指导:John Seitz, ASC《码头风云》(1954)摄影指导:Boris Kaufman, ASC《七武士》(1954)摄影指导: Asakazu Nakai《猎人之夜》 (1955)摄影指导:Stanley Cortez, ASC《搜索者》 (1956)摄影指导:Winton C. Hoch, ASC《桂河大桥》 (1957)摄影指导:Jack HIlyard, BSC《历劫佳人》 (1958)摄影指导:Russell Metty, ASC《迷魂记》(1958)摄影指导:Robert Burks, ASC《西北偏北》 (1959)摄影指导:Robert Burks, ASC《筋疲力尽》(1960)摄影指导:Raoul Coutard《去年在马里昂巴德》 (1961)摄影指导:Sacha Vierny《八部半》(1963)摄影指导:Gianni Di Venanzo《原野铁汉》(1963)摄影指导:James Wong Howe, ASC《奇爱博士》(1964)摄影指导:Gilbert Taylor, BSC《我是古巴》 (Soy Cuba; 1964)摄影指导:Sergei Urusevsky《日内瓦医生》(1965)摄影指导:Freddie Young, BSC《阿尔及尔之战》 (1966)摄影指导:Marcello Gatti《灵欲春宵》(1966)摄影指导:Haskell Wexler, ASC《铁窗喋血》 (1967)摄影指导:Conrad Hall, ASC《毕业生》(1967)摄影指导:Robert Surtees, ASC《冷血》(1967)摄影指导:Conrad Hall, ASC《美国往事》 (1968)摄影指导:Tonino Delli Colli, AIC《虎豹小霸王》(1969)摄影指导:Conrad Hall, ASC《日落黄沙》 (1969)摄影指导:Lucien Ballard, ASC《发条橙》(1971)摄影指导:John Alcott, BSC《柳巷芳草》 (1971)摄影指导:Gordon Willis, ASC《最后一场电影》(1971)摄影指导:Robert Surtees, ASC《花村》(1971)摄影指导:Vilmos Zsigmond, ASC, HSC《歌厅》 (1972)摄影指导:Geoffery Unsworth, BSC《巴黎最后的探戈》 (1972)摄影指导:Vittorio Storaro, ASC, AIC《驱魔人》 (1973)摄影指导:Owen Roizman, ASC《唐人街》(1974)摄影指导:John Alonzo, ASC《教父2》 (1974)摄影指导:Gordon Willis, ASC《巴里林登》(1975)摄影指导:John Alcott, BSC《飞越疯人院》 (1975)摄影指导:Haskell Wexler, ASC《总统班底》 (1976)摄影指导:Gordon Willis, ASC《出租车司机》 (1976)摄影指导:Michael Chapman, ASC《第三类接触》 (1977)摄影指导: Vilmos Zsigmond, ASC, HSC《决斗的人》 (1977)摄影指导:Frank Tidy, BSC《猎鹿人》(1978)摄影指导:Vilmos Zsigmond, ASC, HSC 《异形》(1979)摄影指导:Derek Vanlint, CSC《爵士春秋》 (1979)摄影指导:Giuseppe Rotunno, ASC, AIC《富贵逼人来》 (1979)摄影指导:Caleb Deschanel, ASC《黑神驹》 (1979)摄影指导:Caleb Deschanel, ASC《曼哈顿》(1979)摄影指导:Gordon Willis, ASC《闪灵》 (1980)摄影指导:John Alcott, BSC《烈火战车》 (1981)摄影指导:David Watkin, BSC《从海底出击》(1981)摄影指导:Jost Vacano, ASC《烽火赤焰万里情》(1981)摄影指导:Vittorio Storaro, ASC, AIC《芬妮与亚历山大》 (1982)摄影指导:Sven Nykvist, ASC《太空先锋》(1983)摄影指导:Caleb Deschanel, ASC《莫扎特传》 (1984)摄影指导: Miroslav Ondricek, ASC, ACK《天生好手》 (1984)摄影指导:Caleb Deschanel, ASC《德州巴黎》 (1984)摄影指导:Robby Müller, NSC, BVK《妙想天开》(1985)摄影指导:by Roger Pratt, BSC《教会》 (1986)摄影指导:Chris Menges, ASC, BSC《太阳帝国》 (1987)摄影指导:Allen Daviau, ASC《末代皇帝》(1987)摄影指导:Vittorio Storaro, ASC, AIC《柏林苍穹下》(1987)摄影指导:Henri Alekan《烈血大风暴》(1988)摄影指导:Peter Biziou, BSC《刺杀肯尼迪》 (1991)摄影指导:Robert Richardson, ASC《大红灯笼高高挂》 (1991)摄影指导:Lun Yang《不可饶恕》(1992)摄影指导:Jack Green, ASC《天地玄黄》 (1992)摄影指导:Ron Fricke《辛德勒名单》 (1993)摄影指导:Janusz Kaminski《王者之旅》(1993)摄影指导:Conrad Hall, ASC《红白蓝三部曲之蓝》 (1993)摄影指导:Slawomir Idziak, PSC《肖申克的救赎》(1994)摄影指导:Roger Deakins, ASC, BSC《七宗罪》 (1995)摄影指导:Darius Khondji, ASC, AFC《英国病人》(1996)摄影指导:John Seale, ASC, BSC《洛城机密》(1997)摄影指导:Dante Spinotti, ASC, AIC《拯救大兵瑞恩》 (1998)摄影指导:Janusz Kaminski《细细的红线》 (1998)摄影指导:John Toll, ASC《美国丽人》(1999)摄影指导:Conrad Hall, ASC《黑客帝国》 (1999)摄影指导:Bill Pope, ASC《花样年华》 (2000)摄影指导:Christopher Doyle, HKSC美国电影摄影师协会100周年宣传片我们叫做影映营!今年开始我们每周日都会有电影主题放映活动,欢迎大家关注公众号了解放映的影片资讯。每月1个电影主题,每周举办1次电影放映活动!感谢您的关注,有想看的电影也可以聊聊呀!

  • 新年第一发!2019年那些最令人期待的动画和特效大片

    “ 感知CG · 感触创意 · 感受艺术 · 感悟心灵 ”中国极具影响力CG领域自媒体新年第一发!开工大吉~在这里CG世界全体成员祝小可爱们在2019年:没有脱发!没有痘痘!没有水逆!没有焦虑!赚钱多多!健康多多!有时间陪伴家人!有时间出去旅行!2018年看完了《头号玩家》《复仇者联盟3》《海王》《神奇动物在哪里2》等等等一大波视觉效果震撼大片2019年紧接着我们又会迎来了新一轮的期许与等待那咱们就来搜罗搜罗2019年将会有哪些激动人心的电影和我们见面吧(具体上映日期以实际情况为准哦)《流浪地球》(The Wandering Earth)2019年2月5日中国内地上映根据刘慈欣同名小说改编,讲述了太阳即将毁灭,人类在地球表面建造出巨大的推进器,寻找新家园的故事,影片将开启中国科幻元年。据了解,《流浪地球》筹备期间做了大量工作,拍摄前,团队制作了8000余格的分镜、30多分钟的动态预览、详尽的制作流程和拍摄方案。我们熟悉的很多视觉效果制作公司都参与其中,期待!《大黄蜂》(Bumblebee)2019年1月4日中国内地上映《大黄蜂》导演是有着“美国王思聪”之称的塔拉维斯·奈特,有媒体称如果拍不好这部电影,他只能回去继承父亲的1056亿美元家产了...科科皮一下不要紧的。影片故事发生在上世纪80年代,一贯中二的钢铁大黄蜂形象这次走的是萌系路线,俨然一副“可爱小黄蜂”形象,与一位年轻的机械师女孩偶遇,人机之间产生深厚情谊。《复仇者联盟4:终局之战》(Avengers: Endgame)2019年5月3日美国上映“漫威虐我千百遍,我带漫威如初恋”。小编只想代表广大漫威迷说一句,“可以了,你们真的可以了,2019年,请对我们好一点”!随着《复联4》的到来,第一个十年的故事即将接近尾声,漫威电影宇宙即将进入一个新的阶段。《白蛇:缘起》(White Snake)2019年1月11日中国内地上映有人说《白蛇:缘起》忌惮龙猫和蜘蛛侠?搞笑,根本不存在的!由追光动画和华纳兄弟制作的原创动画电影以东方经典IP“白蛇传”为基础,发挥国产动画制作理念,我们有什么理由不力挺呢?《狮子王》(The Lion King )2019年7月19日北美公映一想起狮子王就浑身颤抖,幻想着自己在影院激动地热泪盈眶的样子(也有可能是冻的)。看到这张海报就明白了有木有!这才算是真正的王者归来!由《奇幻森林》《钢铁侠》导演乔恩·费儒执导、迪士尼真人巨制的电影《狮子王》将于2019年7月19日在北美上映!《惊奇队长》 (Captain Marvel )2019年的3月8日在美国上映惊奇队长是美国漫威漫画旗下超级英雄,被视为是复仇者联盟中女性超级英雄的代表人物。《复联3》的彩蛋提到,神盾局局长消失之前用call机向惊奇队长发送求助信号,来来来期待一下~《蜘蛛侠:英雄远征》(Spider-Man: Far From Home )2019年7月5日在北美上映《阿丽塔:战斗天使》(Alita: Battle Angel )2019年2月14日在美国上映由《泰坦尼克号》和《阿凡达》原班团队开启的科幻电影、詹姆斯·卡梅隆监制的第二部“阿”字开头的电影《阿丽塔:战斗天使》,改变自木城雪户的日漫《铳梦》,讲述了一个关于希望和赋权的史诗级冒险故事。 《哥斯拉:怪兽之王》(Godzilla: King of Monsters)2019年5月31日北美上映哥斯拉粉er让我听到你们的尖叫!据介绍,《哥斯拉:怪兽之王》将聚焦哥斯拉、魔斯拉、拉顿及终极怪物---三头龙王者基多拉等一众庞大怪兽复出,为争夺地球统治权展开大战,轮到研究神秘动物学的机构“帝王计划”成员拯救世界。大怪sou就要来啦!《X战警:新变种人》(The New Mutants)2019年8月2日在北美上映《X战警:新变种人》改编自漫威漫画,五个年轻的“变种人”,在被关押在一个秘密机构时,发现自己拥有的超能力,然后努力争取洗刷过去的罪恶,拯救自己。X战警:黑凤凰(X-Men: Dark Phoenix )2019年6月7日上映当然,除了上面我们提到的这几部期待值超高的电影,还有一些是我们之前介绍过的,也收到小伙伴们的满满期待(点击蓝色字体可以观看预告哦):《小飞象》《阿拉丁》《乐高大电影2》《驯龙高手3》《地狱男爵:血皇后崛起》《精灵宝可梦:大侦探皮卡丘》《爱宠大机密2》《黑衣人:全球追缉》《玩具总动员4》真是啰啰嗦嗦地推荐了很多,还有哪些电影我们没有总结到,但是大家也特别期待的呢?可以给我们留言呢~219

  • 猫眼评分2.8,刷抖音的观众是怎么被这部片“骗”去的?

    国产文艺片票房不好已不是什么新鲜事儿,面对进口片的冲击、国产商业片的夹击,文艺片该如何生存?营销可能是最后一根救命稻草。2016年,吴天明导演的遗作《百鸟朝凤》上映一周票房仅300多万,不到同期上映的《美国队长》的零头。而后,便有了制片人方励的下跪事件。方励下跪后,影片排片由原来的1%飞跃至7.4%以上,上座率一度高达36%,最终票房为8695.06万元。纵然被多方批判,但这一跪,的确救了《 百鸟朝凤》。此次,由毕赣执导的《地球最后的夜晚》,在12月31号上映之前,预售票房已突破两亿元。此前由毕赣导演的《路边野餐》尽管拿下金马奖和洛迦诺电影节最佳新导演奖,但票房仅647.62万。《地球最后的夜晚》究竟是启动了怎样的神仙营销?戛纳+金马奖两大标签傍身翻看该片评论,不少观众表示,去看《地球最后的夜晚》完全是因为戛纳、金马。去年5月,由毕赣曾与黄觉、李鸿其、陈永忠等主创带着《地球最后的夜晚》在戛纳国际电影节举行全球首映。当时媒体对片子的评价是:本届戛纳电影节开画以来最疯狂最梦幻的一种体验、有史以来最迷人的电影、有着有史以来最伟大的镜头。《好莱坞报道》称:“除了精湛的摄影技术外,毕赣的电影像是一种魔法,将我们轻轻的推入深渊,带我们慢慢的穿过记忆。”在戛纳饱受赞誉后,《地球最后的夜晚》又在第55届金马奖获得最佳摄影、最佳音效、最佳原创配乐三项大奖。虽然没有得奖,毕赣也获得最佳导演提名,与张艺谋、姜文比肩。毕赣金马入围写真照至此,《地球最后的夜晚》在影迷心中的地位已定,上映时必定要去朝圣一番。从《吐槽大会》到《十三邀》年轻观众、知识分子两手都要抓上一次吐槽大会,就很有可能登上当天及第二天的热搜。黄圣依在上完《吐槽大会》第三季第4期后,当晚便以#黄圣依说海娃死了是喜剧代表作#称霸热搜榜,该节目的带流量效果可见一斑。毕赣和黄圣依、王晶上的是11月25日播出的同一期吐槽大会,尽管没有上热搜,毕赣及他的老姑父还是在观众心目中留下了极深的印象。毕赣在节目中的直接宣传为即将上映的《地球最后的夜晚》起来到了很好的预热作用。光导演上节目还不够,在去12月16日播出的《吐槽大会》中,男主角黄觉又上了一把。平时给人感觉稳健少语的黄觉,吐槽起别人来也还不嘴软,竟然还很幽默。如此反差令厂长对他的好感度急剧上升。与此同时,毕赣还上了一把许知远的《十三邀》,大聊时代、焦虑、触动、创作等命题。截止发稿前,该期节目的点击率已达3146.5万。《吐槽大会》的受众是以年轻观众为主,《十三邀》则以高知人群作为目标群体,营销方两手一把抓,取得了很好的宣传效果。极具话题性的末日营销迎合仪式感跨年风潮12月31日可以说是朋友圈的集体狂欢,许多潜水已久的朋友圈好友纷纷发表自己的跨年方式,并立下新年flag,仪式感十足。看影跨年成为不少青年的一大选择。比如看《闪灵》“一斧头”跨年:12月31日21:56开场,尼尔森劈门而入的时候恰好就是0点0分跨年那一刻。《地球最后的夜晚》也玩儿了一把颇有仪式感的“末日营销”,12月初在官博发布了《地球最后的夜晚》发行票价及跨年活动声明。声明中指出,这是2018年最后一部电影,影院可以将此片做跨年活动。在12月31日21:50开始的场次,看完正好零点观众可以与最重要的人一起度过一个最有仪式感的夜晚,一吻跨年!末日营销正好迎合了消费者仪式感跨年的心理,预售票房也随之扶摇直上。而面对“末日营销”的质疑声,导演毕赣回应道:“这是一部非常艺术化的电影,我的宣发同事不偷不抢不下跪,靠自己的能力,靠自己的知识做一件事情,我没有觉得他们有任何过错,我非常尊重他们。”不跪~这是在说谁?此外,《地球最后的夜晚》在2018年11月13号在抖音发出第一条视频。截至发稿前,已发了30个短视频,共获得57万个赞、累计粉丝3.3万。暂且不知道有多少观众是因为刷抖音去看该片的,但这种短视频营销方式对影片扩大关注度还是起到了一定作用。与不错的票房形成鲜明对比的是口碑的两极分化。《地球最后的夜晚》在豆瓣评分6.8分,猫眼41万人评分仅2.8。“不知所云、装大师、剪辑过度碎片化”,部分观众对影片的评价毫不留情面。究竟是片子出了问题还是营销有问题?厂长认为,《地球最后的夜晚》本身并不是烂片。只是那些被“末日之吻”、抖音所吸引到电影院观众,可能想看的就是短平快的内容,而该片所呈现的长镜头、慢节奏、多线条叙述和这部分观众预期的内容不一致,由此产生了可以载入史册的低评分。你看了《地球最后的夜晚》吗?你给片子打几分呢?- End -长按关注新片场「往期回顾」

  • 从《地球最后的夜晚》《影》看国产院线电影商业元素和艺术创作分配的缺陷

    拒做文艺青年,认真拉片,从导演角度看电影 文字 弗兰茨设计 弗兰茨欢迎各位电影er来到微信公众号“404放映室”,这里是“解读”系列的第三期。结束一个月的语言学习和广告拍摄终于有时间静下来写长文了,然后就写了这样一篇一万字的长文。上一期没讲完的《燃烧》会放在后续推文中解读,这一期先聊一下元旦档上映的“爆红”影片《地球最后的夜晚》和跟它处境有些类似的《影》。在12月31号跨年夜看完《地球最后的夜晚》后,目睹了这部电影从爆红到暴跌的全过程,让我突然联想到之前国庆档上映的张艺谋导演电影《影》。这两部同为今年国内上映的电影,它们实际的口碑与票房都在跟观众见面后发生了不同程度地下降,尽管它们都在第55届金马奖上获奖,并依然被一些影评人支持,但主流观众却不买账。为什么会这样,结果是由多种因素混合产生的。这篇文章取的题目有点像学术论文或电影学院的考试题目,但内层关于创作的探讨我写的时候感觉还是挺生动的。作为艺术电影爱好者和李安导演的粉丝,揭开一些问题貌似和谐的外表,探索不安的内层是我喜爱尝试的事情。下面我就分层分角度具体分析下这两部影片上映后口碑与票房双双不如预期的原因,另外也是第一次谈及影片的宣传发行,从一个局外人的角度说说看法,不对的地方还请指正。先看这么一张图猫眼评分2.6,3天总票房2.79亿,其中首日占了2.62亿,第二天降为千万,第三天降为百万,预测票房仅为2.81亿。分析票房三天内如此缩水的原因,首先从商业片和艺术片的定位去梳理。电影学院章明老师曾简单又深刻地概括:商业电影和艺术电影的区别是在筹备和拍摄期对艺术尊重的高低程度。在成熟的商业片中,人物性格、心理外化让观众得以感知,结尾大多也会发生像死亡、觉醒等关键的性格转变行为。前年口碑与票房双收的《爱乐之城》透露出这样一个趋向:在院线上映的影片,艺术和商业混搭成功是可行的,但必须将其分为不同的线。商业片在主人公经历了一连串关于追寻“自由”的挫折后会让他实现愿望,而艺术片则基本上不会让主人公达成愿望。《爱乐之城》导演达米恩·查泽雷(Damien Chazelle)改编剧本的高明之处就在于,他把主人公的愿望分成事业和爱情两条主线,在事业中让人物的愿望实现,爱情则不能。他知道,如果事业和爱情兼收固然美好,但很难博得中产阶级和知识分子的认同,因为太廉价了。也正因为如此,《爱乐之城》才能兼获大众票房和专业口碑。《爱乐之城》主创在奥斯卡颁奖典礼上写到这里,好像已经解释了《地球》票房后劲疲软的一部分原因:观众看不懂故事发展和主题表达,又没有商业元素,好像是一部文艺片,可是《地球》这么火又这么难懂,它是一部常规的艺术片吗?过一下艺术片的特点,创作者注重视觉风格的强调和个人思考的表达,反对程序化的情节和模式化的人物形象刻画,用独特的电影语言反映人物内在的戏剧冲突。像贾樟柯导演前段时间上映的电影《江湖儿女》就是一部常规的艺术片,贾科长头一次这么卖力宣传,但艺术片毕竟是一种服务小众影响大众的类型,主流观众对此并不买账,最后也才取得了七千万这样相比于商业片动辄几亿十几亿的一般成绩。接来下,我会从创作者、营销发行、观众三个角度去分析《地球》不如预期的原因。 第一部分: 创 作 者 角 度很多人在讨论《地球》时把它一概而论地成为艺术片,说艺术片难懂所以《地球》也难懂。但其实艺术片的表达也是千姿百态,各式各样的,艺术片不同的叙事方式决定了它在面向观众后可以取得的市场价值。《地球》在艺术片的“包装”下被导演毕赣更多地加上了他个人化的标签和处理手法:比如在光鲜亮丽的影像、音效、剪辑的外表下,藏着叙事杂乱无章,故事逻辑松散,视觉与内容不统一,主题表达不鲜明,没有人性深度和哲学思考等种种本不该属于艺术片的核心失误,但它又没有商业片该有的元素,以至于看起来更像是一部实验电影。真正优秀的艺术电影,虽然会有时空上的交错、隐喻象征等意识流的运用、梦境的表现和人物心理的别样式展现,但它们在设计上都是有目的、有逻辑的,导演在电影、美学、文学、哲学知识使用方面像科学家一样严谨,没有任何一个是多余或有歧义的。其根本原因是为了体现人物性格,进而产生相应的行为和情节,最后为创作者关于人性的思考和哲学表达等主题服务。同样,他们在视听层面与对应的性格、情节、主题都是相匹配相吻合的,不会出现不对应或断层的情况。电影中有三个极为毕赣的标签:梦、诗意、长镜头。1.梦:《地球最后的夜晚》在梦的营造方面非常成功,导演毕赣用了很多具体的视觉实物来作为隐喻,像《路边野餐》中的火车、钟表、盘山路、雾气一样,《地球》特有的废墟、火车、打乒乓球的男孩等元素都为它多了一层想象的空间。他编了一个没想让观众看懂的故事,又是采用倒叙的方式叙述,通过2D的讲述和3D的梦境把一些原本只存在于我们梦中感觉还原了出来,在观影中将这种奇妙的感受传递给观众,这是《地球》最为成功的地方,也是它入围戛纳“一种关注”单元和金马奖最核心的东西。左右滑动查看更多图片在这部电影里,你可以发现《穆赫兰道》《镜子》《八部半》《红辣椒》的影子,不是说抄袭,是毕赣真真实实地用影像和声音把这种梦的感觉“造”出来了。在影片2D转3D时候,配乐林强先生用震撼又催人入梦的音乐将你成功带入了梦境。这里想说的是,虽然毕赣把《地球》中的“梦”实现得非常真实,也为此给他的团队带来了三个金马奖,但“梦”这个元素在电影中本身就难以被观众理解,创作者往往要加很多其他的东西予以区分、提示才能将观众引入正确的方向,同时又需要观众有一定水平的艺术修养。而《地球》中的梦,恰恰是毕赣最私密的梦,夹杂着他对梦的好奇和探索,如此私人又私人的东西,能get到导演点的艺术爱好者已是少数,长期看商业爆米花电影的观众更是少之又少。2.诗意:在毕赣成名作《路边野餐》中,他使用了大量的现代诗来传递那种字句与意向之间的碰撞。虽然我一直很反对这种用旁白、文字方式推动剧情发展的方法,因为这暗示了影片视听语言的失败和导演叙事能力的低劣。但在《路边野餐》中,你不得不承认毕赣造的这种意向在旁白朗读时配上画面可以让你产生一种不可言说的快感,这种快感正是来源于视觉与听觉加之感觉的高度结合。《路边野餐》中的诗歌非但没有成为负担反而为影片增彩,好就好在导演毕赣没有想用它去叙事,只是用镜头把诗歌的内容视觉化,形成一部“意识流”的作品。在《地球最后的夜晚》中,毕赣的选择就有些不坚决,想用诗歌或文艺语句造气氛,又想在此基础上交代一些东西、去叙事,加之这些文字本身写的也不是非常合理,就直接干扰了观众的观影感受和想象空间,让这些旁白、台词产生一些虚假、不贴切的感觉。《路边野餐》剧照在这里还想特别说一下“诗意”这个词。有太多的人误把文学叙事等同于电影叙事,就好比误把电影诗意理解为文学诗意。在电影里加几句现代诗、文艺语句就能让电影产生诗意吗?答案在任何一部叙事电影中都是否,就好比写过剧本的人都知道剧本和小说之间的区别在哪里差不多。《地球》中毕赣对本可以产生诗意的生活化镜头捕捉十分匮乏与低级,他的画面和想要传递的情感严重不符,这就是形式与内容表达上的不匹配,内容不充实、情感不深入、逻辑不严谨就直接导致了观众难以进入创作者的世界与之共鸣。塔可夫斯基在《雕刻时光》中这么写道:“以事实的表现和形式记录下来的时间,在我看来这就是电影艺术的基本观念。”“电影制作者也是从包含着庞杂错综的生活事实的’大块时间’里,剔除和去掉不需要的部分,只保留未来影片需要的,将要作为形象组成要素的那些部分。”“电影的诗意产生于对生活的观察,电影形象实质上就是对在时间中展开的事实的观察,再按照生活本身的形态以及时间的规律来加以组织。”再简单点,对比一下毕赣和塔可夫斯基电影中一组相似的截图,就可发现他们之间的美学差距以及“诗意”使用的不严谨:毕赣《地球最后的夜晚》截图塔可夫斯基《潜行者》截图3.长镜头:“长镜头”这个词解释起来不复杂,但真正用的时候会有很多考量,不同场景、时刻的使用所带来的效果也不甚相同。先说一下“蒙太奇”和“长镜头”的区分。很多人会认为这两者之间有根本冲突,代表了两种不同的风格,但其实它们在一部影片中出现并不存在冲突,产生矛盾是因为使用方法和位置发生错误。蒙太奇简单地可以理解为希区柯克那种处理方式,在剪辑时把一个场景拍摄素材中最好看、最有表现力的片段保留,删除不好看、不具有戏剧性的片段。同时,在关键情节点上对某一些动作进行“强化”。比如可以通过多机位、多景别剪辑表现同一动作,或是用慢动作升格、调色特效处理的方式加深某一镜头的表达效果,亦或是加强不同素材组接起来产生的力量、视觉冲击力,添加隐喻和象征等多种内涵。从根本上也就因此分成“镜头内”和“镜头外”两方面。这其中的很多效果,长镜头也可以做到。比如导演可以在长镜头内提前设计安排一些对比、冲突以及隐喻和象征。蒙太奇有其局限性,塔可夫斯基说过,“你不可能在一个水杯里把尼亚加拉瀑布放下”,就好像你不可能通过几个片段就可以把一个空间交代清楚。如果说蒙太奇偏向表现“意念”,长镜头则偏向表现“空间”,这个空间可以是真实的,也可以是虚拟的,完全看导演想怎么处理、想表达什么样的思考。长镜头的使用不单单意味着全程不NG地记录,导演需要花很多功夫去设计,去除无聊和无关的环节,添加过渡的情节,长镜头得天独厚的“影像真实记录感”和“含蓄低调”的风格让它可以产生许多蒙太奇达不到的效果。而且在拍的过程中,镜头中出现什么,什么视角,以多快的速率运动都直接影响着观众的观影感受和影片的思想表达,长镜头设计难,拍起来更难。所以蒙太奇还是长镜头,各有各的魅力和力量,使用哪一个全看导演想要表现什么。回到《地球》3D部分一个多小时的长镜头,衡量这个长镜头是否成功,如果仅从技术上去评判太片面了,毕竟电影是一门艺术,电视才是技术。戏剧张力、节奏控制、传递导演思想是长镜头使用效果是否达标三个最重要的方面,很遗憾,《地球最后的夜晚》的长镜头,只是作为一种“实现”梦、交代复杂环境的手段,在不同推移过程中还带有炫技的成分,真实传递给观众的效果还没有《路边野餐》里那种雾蒙淡雅的山村有感觉。网传《地球最后的夜晚》3D部分长镜头设计方案 第二部分 : 宣 发 角 度网络上有这样一种声音说,《地球》评分这么低根本原因是在于宣发公司为了赚钱把“本不属于这部电影”的观众“骗”到了电影院,这些观众不具备艺术片鉴赏能力,在看不懂并发现电影真实故事与宣传的爱情元素截然不同后,感觉遭受了欺骗,因而纷纷给出一星两星差评。但其实这些网络发声者不知道,电影营销发行的目的就是为了把电影推广、给它找到更多更丰富的观众。从单纯宣发的角度,《地球最后的夜晚》的营销定位和策略是非常成功的,他们非常清楚现在的社会跨年夜这个时间段大家的娱乐和消费需求有多大。与片名相吻合,片方选择了一年的最后一天12月31号放映,并建议选择21:40场次,届时到0:00随着影片结束情侣们刚好和片中男女主一起相拥,“一吻跨年”;又在使用率很高的抖音和三四线城市青年人群中做宣传,从口号到海报,营销方的“文字游戏”让很多对这个电影不怎么了解的观众误以为是爱情片。在1月3号的统计中,2.6亿首日票房,抖音用户贡献了近四成。之前我国上映的艺术片很少走这种大规模宣发路线,多数片方会基于影片自身进行合理地营销,基本上分为两种:一是在艺术院线放映,给艺术片爱好者观看;二是小范围提前点映,收取观众反馈后再设计最适合的宣发方案,最后扩散公映范围。《地球最后的夜晚》强行扩大营销人群最根本的目的是为了收回成本,一部本应该很小众的文艺片拍摄成本花了五千万,按照票房的一半归影院,三分之一归片方的分配标准,这部电影的票房至少要1.3亿片方才能回本,用常规的两种营销方法能挣上一亿票房吗,不知道,估计很难。这才导致了《地球》被很多“骗来的”、“看不懂”的观众打一星差评,因为他们中的大多数人按常理是不会花钱去看这个电影的。可能又有人会问,为什么拍个艺术片会花五千万这么大的成本,常规的艺术片成本通常仅为五百万。根据制片人给出的消息,原来片方给的投资是两千万,因为拍摄的不流畅和不专业导致效率大幅下降,在延长拍摄档期后投资又增加到五千万。这个问题产生背后就涉及到了电影工业和艺术片的本质,不能说你几天几夜不合眼或者因为延长档期花了大价钱拍出来的电影品质就一定好,这只能间接说明这部电影的工业化程度很低。艺术电影区别于商业电影非常重要的一个特征就是低成本、小风险,通过服务小众影响大众,用太多钱拍艺术片是有害处的。动不动就考虑明星,不管叙事、逻辑的真实与否,把场景做的很大很分散,特效也请最顶级的团队制作,这些其实都违背了艺术片创作的初衷。这里想说一下希区柯克当年宣传他的新片《惊魂记》(又名《精神病患者》/《PSYCHO》)的故事。相比于希区柯克以往的作品,《惊魂记》可谓是一次创新,而且耗费成本相当有限,只有80万美元。在结束完后期这最后一道难关后,希区柯克开始集中精力,思考如何战胜广大的观众。这是一部完全有别于他过往那些看起来“彬彬有礼”的惊悚片新作,与之前的宣传相反,他这次的注意力并没有放在出演这部影片的明星们身上,转而关注的首先是影片的片名。他找来麦肯广告的首席设计师托尼·帕拉迪诺为影片的海报设计字体,并且用惊人的5000美元买断了他的最终版设计。要知道,希区柯克买来惊魂记原著小说的费用也差不多是这个数字。这一次,他吸取了上一部影片《迷魂记》票房失败的教训。好莱坞有句行话,“电影票房砸了,广告宣传失误占很大原因”,这一点当时的他再同意不过了。因为《迷魂记》作为他一部惊悚片,海报设计得异常“艺术气”,在它的电影海报和平媒广告上,体现的都是被困在漩涡中的一男一女,高度艺术化和风格化的设计,在吸引老粉丝和高审美观众之外,让市场上的主流观众感到莫名其妙,纷纷敬而远之,这一点非常像《地球最后的夜晚》刚开始的宣发。《迷魂记》宣传海报《地球最后的夜晚》宣传海报于是在这一次的《惊魂记》中,希区柯克打破了好莱坞固有的禁忌,风格大胆,主题明确,公然采用了具有“暗示性”的宣传照。同时在广告宣传中,希区柯克又加上了这样一句宣传语:“开场后,谁都不允许再进入放映厅,任何人都不行。”他并不是说说而已,而是建议各影院经理严格遵循这一规定,许多影院经理有顾虑,担心观众不会买账——就算他是希区柯克,准备放弃该片的放映。好在希区柯克作出保证,影院最后一定会成功,因为他相信“这就像是在和观众做游戏,一场智力的较量。倘若观众没有从刚开始就进入气氛,那我苦心营造的种种惊喜,就全都毁了。而只要坚持我的想法,获胜的一定是影院。”接下来,希区柯克向市场上大量发行了一本叫做《操作手册》,甚至还在《纽约时报》上刊登版面予以推广,引来全国数百万观众的强烈好奇心。又请来全国各地的保镖在上映后进入影院维持现场秩序。希区柯克本人的五英尺纸质人像也被安放在各影院门口,配合上他亲自录制的高音广播。在宣传期间,福塞特世界图书馆出版社重印了书籍《精神病患者》,《生活》杂志著名摄影师戈顿·帕克斯也发布了一组新拍摄的“汽车旅店谋杀案”主题照片。但相比于海报和广告宣传攻势,三部预告片才是他宣发的杀手锏。三部预告片皆不是从影片中截取,而是请来著名摄影师、特效专家雷克斯·温丕制作,共花费9600美元。第一部预告片主要强调本片的放映规则,“不允许任何人在开场后再入场”,第二部则主打神秘牌,强调“请不要把影片结局说出去,否则你就糟糕了”,第三部则是希区柯克出镜,带领大家逛了一遍凶案发生的房屋,并在关键地段停下加以解说,制造神秘。同样,希区柯克越是对媒体三缄其口、故弄玄虚,记者们就越想了解到剧情和内幕,他们只能转向去采访演员,这也间接地增加了演员在观众眼中的知名度。最终《惊魂记》以80万美元的成本,收获了1500万美元的票房,那时候还是“遥远的”1960年。 第三部分:观 众 角 度关于导演,日本电影导演小津安二郎说过这么一句有名的话:“电影导演不过是一个在桥下行乞、拉客的妓女罢了。”这句话形象又真实地点明了在宣发和上映甚至创作期间导演和观众的关系。观众花了钱买了电影票,导演和片方赚到钱了就要允许那些认为电影票价和质量不匹配的观众发泄他们的不满,因为能让所有观众都给出好评的电影几乎不存在。特别又是这种小众的艺术片,同样涉及梦、悬疑元素的《穆赫兰道》上映后票房也很一般,可它最后经受住了时间的考验,BBC评21世纪最伟大的电影TOP100,《穆赫兰道》成功夺魁。放眼整个电影史,热衷于欣赏艺术电影的观众只是少数中的少数,大部分人进院线只是单纯地为了消遣放松或者追星。贾樟柯导演对此现象说过非常好的一段话:“一些作品艺术评价不高,但大众喜爱。一些作品艺术评价高,但大众不亲近。这是一个不必纠结的问题,因为人类社会在艺术教育、文化资源的分享、经济收入等方面一直存在着分配不公的情况。一个没有机会获得艺术阅历的观众,在黄昏沙滩椰林的摄影图片和弗洛伊德的绘画面前,选择前者是没有什么错的。”虽然说艺术电影的营销策略是服务小众影响大众,《地球》评分之低也是因为很多欣赏不了这么“毕赣化”电影的观众不认可,但在此基础上,通过制作和引进优质艺术片来不断提升我国观众的观影水平和艺术修养,已经变成了一件非常必要的事情。接下来写一写张艺谋导演国庆档上映的电影《影》《影》在36天上映期内收获了6.27亿票房,看数字不算低,但考虑到这部电影3亿的高投资,在票房分账2.2亿元后,片方不仅没有赚到钱,还亏了八千万,间接反映了主流观众对于这部电影的态度,这也是张艺谋导演和片方都未曾预料到的。仔细探讨一下《影》的定位,可以发现导演在偏艺术还是偏商业的风格选择上并不坚决。在经历了《长城》的票房失败后,张艺谋跟投资人表示想把自己下一部作品《影》做的偏艺术化一点,但又不想让片方亏本。《影》的故事灵感来源于朱苏进的小说《三国·荆州》,在具体人物设定上,又参考了黑泽明导演1980年的电影《影子武士》。由于故事和情节改动太多,导演把整个故事放在了一个架空的虚构历史空间,但美术置景、服装等,依然按照三国时期荆州地域风格制作。看到前期的海报宣传照,爱好者会以为这又是一部张艺谋风格的黑白历史古装大片,但真正上映了观众才发现这是讲一个影子/替身的小人物故事,它在故事架构、人物设定、风格类型上都是向着艺术片的格调偏,也直接让整个影片丢掉了像张艺谋之前的古装大片《英雄》《十面埋伏》所特有的震撼感、电影感、大片感。伴随着全片的水墨色调和阴雨天气,观众在观影的过程中始终处于一个比较压抑的状态,内心的情感没有跟随剧情发展得到一个痛快的宣泄,甚至在影片结尾的高潮部分,导演在反转过后但依旧选择了反高潮的结局,剩余大量空间供观众解读。整个的这些使得影片朝着非商业的方向使劲,《影》也因此丢掉了一些可供观众闲谈讨论、共情的元素,具体转化在票房上也就不能实现太大的突破。既然张艺谋导演让《影》走艺术片方向,而艺术片关照的又是现实生活中的人性,尊重生命真实、人性真实,探讨人性深度和哲学反思,不是政治学、新闻学、社会学,那他有扎扎实实地关注故事和人物吗?回想剧情,影片中有四个焦点性的人物——都督子虞、影子/替身境州、都督妻小艾、沛王沛良,再简单点概括,该片的重点人物就是后期展开血腥拼争的子虞和境州。影片的前半段都在交代人物关系、背景和造气氛,随着影片发展观众逐渐发现了子虞拼争的目的,子虞从叔父时期便控制着沛国的军队,他的目标便是推翻沛王取而代之。卷入争斗的境州是从小被子虞秘密赡养、形貌酷似的影子,在子虞受伤后让其出山作为替身,完成任务。境州作为本片唯一一个平民出身的小人物,从小被幽禁在暗室,受尽训练折磨,按理说他是最可以走进观众内心的一个,但很多观众观影时并没有这种感受,这也恰恰说明了这个角色设定上的一些漏洞。在境州内心意念发生动摇,却又不得不代替子虞前往对方城池与守将杨苍决一死战时,他的内心其实是非常矛盾的。作为创作者,一定要给观众一个让他不得不去、同时又合情合理的理由。在这里,张艺谋仅通过一句简单地台词予以“交代”:他喜欢子虞夫人小艾。于是观众看到的就是在与小艾度过鱼水之欢的一夜后,境州从容奔赴自知回不来的决斗。导演设计的这个理由有说服力吗?境州在历经二十多年的秘密隐匿生活后,对这样暗无天日、受人摆布的生活已经无比厌倦。为了转移或者抵消这种情绪,他转而把所有的爱和希望都寄托到眼下正与其日日夜夜假扮夫妻的小艾身上。以致当他收到前往与杨苍决斗这一使命时,他是出自对小艾的爱慕而答应,早已不再是对子虞的“报恩”了。导演想通过这种方式解释固然行得通,但之前需要花大量时长和镜头向观众呈现境州对小艾的感情转变,而不仅仅只给几个一起琴瑟和鸣、共睡一室和子虞偷窥观望的镜头就可以交代清楚,习惯于被导演叙事牵着走的观众自然不会买账。这里也是境州人物设定的两个明显失误之一。在第二处失误片尾朝堂大殿的争斗中,沛王计划预先派杀手暗杀藏身家中的子虞,而后用境州神不知鬼不觉地取而代之,自己依然是掌控棋子的人。但他没想到自己的杀手非但没有杀死子虞,自己反而还被躲藏在面具背后的子虞所伤。在这个千钧一发之际,导演让境州的性格发生转变,之前一直是在被当作棋子摆布的境州突然拔剑刺向诱骗自己前往母亲住所送死的子虞,再转而补剑刺死垂死的沛王。这时的境州,渴望的不再是小艾的怜悯和远在他处的母亲,而是对权利欲望的拥有。同样的问题,同样的答案,虽然非要解释也能行得通,但这么设计会让观众感到唐突和不解。如果这是一个舞台戏剧,想要呈现一场关于血腥权利的游戏,那设计子虞、境州、沛王之间的权力角逐及取代是没问题的。因为舞台天生会给观众一种区别现实的隔离感,演员通过夸张的表演和台词来表现内心情绪,用外化的动作把所思所想传达给观众,但电影不行,艺术电影更不行。人物性格转变的失败直接也导致了《影》在叙事上的失败,本来就是一个架空的小故事,在人物和情节点上不予以重视自然会导致大众口碑的下降。前段时间上映的电影《海王》,它的定位是一部商业片,仔细的观众看完后可以发现《海王》在剧情逻辑上有几处严重的硬伤,但是在观影过程中却被导演温子仁用视效巧妙地引导避开了,这就是一个导演能力高超的体现。在电影《霸王别姬》中,程蝶衣身上的性格皆是由他的生长环境或生理因素影响导致的,导演陈凯歌在塑造人物性格方面花了大量时长和镜头:他是妓女的儿子,从小生活在勾栏青楼中,见惯了风月之中的肮脏,所以他痛恨反感这样的男女关系,内心怀抱着虞姬和霸王从一而终的梦想;他的童年少年是在戏班中度过的,那时戏班的孩子不许和外界接触,因此不谙世事,不懂世故,这样的环境也直接导致了他走出戏班后不懂得随波逐流,人戏不分,“不疯魔不成活”;影片中蒋雯丽饰演的妓女母亲切掉他的第六指,在暗喻切除他的男性元素,后来小豆子用烟嘴在他口腔搅拌也是在暗喻他对男性的屈服。同样相似的还有香港电影《无间道》,导演刘伟强和麦兆辉花了一整部电影的时间来表现两个主人公的性格转变:刘德华饰演的黑帮卧底在警界,他逐渐想要改邪归正却受制于梁朝伟饰演的警方派在黑帮的卧底。导演用不同情节去推进剧情发展,也在向观众展示人物性格一步步的转变,这些细节不仅可以丰富角色,更会让观众在影片结尾要发生最重要也是看起来最不可能现实的人性转变时表示理解。李安导演曾对国语电影的主题架构和情感挖掘这么评价:“国语电影在架构和情感方面不同于好莱坞的抒发、经营,有其可看之处,很多地方都很感动,可是一块一块的感动间联系不起来,整个剧情的推演并没有赚到。作为导演你不能让人家去同情你,或者让他们来想剧情,你要很扎实地一步一步做到这样一个好的片子,累积的力量要强,我觉得就是一种筋骨,一种结构。”“结构不够完整不够坚固,站不起来,几个大点都没有信服力。然后在剧情的推演上面又懒惰,一厢情愿,从这个点到那个点,怎么不让观众睡着,丝丝入扣,循序渐进地进入你想要表达的主题,这个要下很多功夫,很扎实才行。怎样从A到B再到C,力量积不起来,格局太小了。”说完人物性格,再看一下影片最后主题升华上的不足。影片最后,境州杀死子虞和沛王后直行步出大殿,这时候,他的内心是否会发生某种微妙而重要的变化?就像当年在《英雄》里秦王把无名用乱箭射死后他在心里会想什么呢?古时臣杀君称“弑”,靖州在弑杀自己曾经的“二主”后会是一个怎样的心理呢?这里面有欢欣、恐惧、释然还是我们暂且想象不出的复杂情感。他作为子虞的影子这么多年,最后却登上了权力的最高宝座,从影子到王,这个角色转变和他的性格转变之间会产生怎样的冲突?可惜这时导演张艺谋用一个小艾窥视堂外的镜头予以终结,这样也让《影》对人性深度的探索显得非常浅显,在艺术方面没有高度。花了三天时间写了这么多,文章最后我就不进行总结了,大家读完这一万字肯定都会有些许感触。如果你觉得我说的有什么自己不认同或对该片有想探讨的地方,欢迎文章下面/公众号留言。如果你觉得我说的还不错,悄悄点个赞/点个订阅我就知道啦。福利:《影》1080p无水印中文字幕版,迅雷磁力链接,公众号回复关键词“影”即可获取。再见! 谢谢阅读!END作者 | 弗兰茨排版 | 弗兰茨 图源 | 地球最后的夜晚、影、网络往期回顾用镜头纪录生活用故事表达情绪这里没有无谓的文艺与忧愁只有影像、生活与烈酒404放映室电影 | 纪录片 | 小说 欢迎订阅

  • 45岁北漂大叔拍出豆瓣8.8分神作,他说我只是个幸运的人

    在第12届FIRST青年电影影展上,一部由新人导演执导的纪录片横空出世,斩获最佳纪录片长篇奖项。再后来,该片又入围了第55届金马奖最佳纪录片奖。厂长有幸提前观看了这部纪录片——《四个春天》。今天,《四个春天》也将登录全国院线。看完的感觉可用“温暖通透”四个字来形容。《四个春天》从头到尾流露着温柔与豁达,使人觉得身心舒畅,温暖感从脚尖洋溢到发丝。导演陆庆屹用纪实、质朴的镜头记录下与家人相处的时光,劳作、歌唱、出游、探亲、丧葬、离别,时间横跨了四年。燕子、野花、蜂巢,这些天然质朴的事物原来这么美,这么打动人。在电影馆的咖啡厅里,厂长有幸采访到了陆庆屹导演。初见面的第一印象,他和片中的爸爸长得很像。历经多种职业他用镜头记录下易逝的时光上世纪80年代末,正值金庸古龙武侠小说的鼎盛风靡的年代,小说中“仗剑走天涯”的武侠英雄滋养了无数青少年。当年,十五岁的陆庆屹,踏上了一辆装满苹果的货车,沿着铁路线开始流浪:“所以我有苹果吃”,他笑着说道。青年陆庆屹后来,陆庆屹学过油画、在专业足球队踢球、任职图书设计公司编辑、在酒吧驻唱、去矿山体验生活、开广告公司,又在苏州当起了摄影师。这些看来异常丰富的人生经历,对他的创作产生了潜移默化的影响。对待身边的人事物,陆庆屹有着细腻的观察和感悟。“我们这边有那种习惯是去山野里采花,快枯萎的时候扔到门口,看的时候觉得挺难过的。”陆庆屹拍摄的落下的南瓜花他看到老家卖菜的老奶奶,从年幼时看到她的满头黑丝到逐渐白发,不由觉得感伤。“时间在变、环境在变,她的生活方式没有变。她在变老,你也逐渐朝着这个路上走去,时间流逝的那种感觉挺感伤”。对影像的敏感和天赋,也受到了父母的影响。“我爸妈从63年结婚开始,每年都会去拍照片。当时我爸连一双好的布鞋都没有,他们俩结婚时候一口锅都没有。在那种情况下,他们都会攒一些钱去拍照片。他们非常留恋时光,家中的这种感觉是一直延续下来的。”陆庆屹喜欢用镜头记录,从2010年开始,他将摄影作品陆陆续续传到豆瓣相册。2013年,他在豆瓣建了名为“回家”的相册,记录下每次回家的点滴。相册中,有街头理发师、卖草药的老太太、窗口早早开放的迎春花……街头理发师米花和米饼,糯米做的,晒干之后炸好,可直接吃,也可泡糖水吃,小时候经常当早餐的窗口的迎春花早早就开了“有时候我拍了一个箩筐,没想到居然有那么多人产生共鸣发生。我一直这个东西只我的心里面产生涟漪,但没想到其他人也是这样的。这促使我重新审视一下自己对这世界的看法。那个时候我就想,愿意多做些事情。” 侯孝贤的一句话消除了我与电影之间的障碍“年纪越大,对温暖的东西,体会越深,恨不得时光永远凝固住。”拍照记录的只是瞬间,但是视频记录的是一个完整的过程。陆庆屹希望记录下时间流逝的痕迹,添置了一个相机,回家的时候就开始自己拍视频。每年的春节及家中发生特殊事件的时候,陆庆屹都回回家并用相机记录下与家人相处的点滴。”我父母金婚的时间也是在春天期嘛,然后出来是二伯生病,差不多在春节期间,我姐的事情呢就是临近冬季,主要的那个时间节点都是在春节,我们一般就是春节能回家。我妈经常说:‘别拍了,吃饭顿顿饭你都拍。’我说我就喜欢看你们吃饭的样子。“对于拍电影,陆庆屹一直还是一种很懵懂的状态。直到2015年《聂隐娘》上映,侯孝贤导演说:“想拍电影就去拍吧”,把他跟电影之间的障碍消除了。 他买了一台苹果笔记本电脑,开始尝试剪辑拍摄的素材。“我不会装软件,后来去找卖电脑的给我装了Final Cut。他说只会装不会教,我当时就愣在那。后来立马去中关村买了两本教程。“ 面对二百五十多个小时的素材,光梳理一遍,一个月就过去了。“我的工程文件1T多,每次40分钟等它打开。要是有人告诉我可以用Final Cut的代理文件功能,片子可以早两个月出来。后来我知道这个事情的时候气死了。”从第一次放映到全国上映我只是行业里比较幸运的一个人片子剪完后,定名为《四个春天》。第一次在北京放映时,陆庆屹跟他父母同一排,但整个过程没敢看他们一眼。片子放完后,爸爸在观众席站起来,把帽子摘下,朝后面鞠了一躬,前面鞠了一躬:"我今天看到我在银幕上,谢谢我的儿子,我想这个片子送给我们老人的。"“他说谢谢的时候我哭了,这几年他们不知道我在做什么,现在全明白了,我觉得他们应该是欣慰的。”“我妈的反映就特别可爱,她看来的都是年轻人,说你们现在看电脑太多了,容易得肩周炎,我教你们个动作吧。一下子把气氛打乱了,竟然还真有人站起来跟她学。”《四个春天》收获了诸多奖项和荣誉,父母的反映却较为平静。“对家人来说我获奖就是一件挺好的事情,就是比如说像我找到一份工作,或是买了个新的相机。“爸妈看完片子三天后就没再说过这片子。我妈去买菜,邻居老太太坐在门里,说:‘我看见你们家的电影了’。我妈哦一声就完了。”在旁人看来,45岁的陆庆屹凭借《四个春天》迎来了事业上的新高峰。不过,他本人的心态却非常平静。在被问到对青年电影人有什么建议时,他说:“我没什么资格去指导别人,我也是新人。我觉得甚至不如一个电影学院学两年的懂得多,我只这个行业里的比较幸运的一个人。”当被问到对影片票房的期待时,陆庆屹没有故作深沉,他乐呵呵地说道:“当然是希望越高越好啦!”如果你也想被温暖包围,不妨去影院支持一下《四个春天》,欢迎留言写下你的观后感哦!- End -

  • 为啥你的抖音还不火?这7大规律帮你上热门

    抖音的涨粉方式相当纯粹,发视频用内容来吸引用户即可。在这个过程中,最为效率的便是抖音平台自身给予的流量推荐,也就是我们常说的上热门。对于推荐流量的给予,多多少少都是有一些规律可循的。今天分享的就是上抖音热门的七大规律!一. “前5规律”在今天分享的内容里,我们主要定位在抖音号交易项目中,因此所有的规律对于新号来说都是同样适用,并且一个抖音号想要获得更高的权重,那么一定要注意“前5规律”。根据抖音的算法规则,所有新账号的前5个视频作品是决定一个帐号初始权重的关键,这5个视频获得的用户反馈数据越高,初始权重也就越高。并且,新帐号发布的视频更容易受到系统的青睐,相较于老号来说更容易获得推荐。所以对于新账号来说,你初期发布的视频一定要进行加倍的重视,在内容题材以及质量上都应当进行严格的把关。二. “1,5000,100”对于长期操作抖音号交易并且有一定帐号运营以及上热门经验的人来说,当一个视频发布之后,只需要1小时的时间便能大致知道这个视频能否上热门。这里用到的就是“1,5000,100”这串数字标准,即在新视频发布的1小时内,视频播放量达到5000,并且点赞数量高于100,那么这个视频上热门基本就八九不离十了。可能有的朋友会说,那我可不可以在新视频发布后自己购买一定的用户数据,使这个视频在人为干涉的情况下达到这个“1,5000,100”的标准呢?算下来一个热门视频的成本仅需1.5元。事实上这样的操作是不行的,因为今日头条中的智能推荐机制在这个环节是同样存在的。举个例子,当你的一个新视频发布后,平台会根据你当前帐号的权重给予你一定的初始推荐流量,所以这就是为什么在一开始我们会先给大家强调前5个视频所影响的初始权重为什么这么关键。假设这个初始推荐流量为500,平台则会让你的视频出现在500个与你的视频类型相匹配的用户面前,一般是出现在“推荐”中。然后平台会根据这500个用户的行为反馈来决定是否给予你后续的流量推荐。如果500个用户中,有400个完整的看完了你的视频,那么你很有可能会获得后续更多的流量推荐。反之则会停止推荐,这也是为什么很多视频在播放量涨到一定数字后就停滞的原因。所以人为地制造用户数据不会给你的视频在上热门时带来任何助力。三. 放弃帐号 也有很多朋友在多次发布视频后都没有取得一个较好的用户数据反馈,那么很有可能是因为前5个视频的质量过低,甚至是出现了违规操作。例如虚假的播放量、带有广告的营销信息、其他平台的水印、频繁搬运、涉及敏感话题等等。这些情况下你的帐号权重将被降到最低点,具体表现为发布的视频播放量一直上不去,而且视频的审核时间很长。如果出现了以上的现象,那么建议你早些放弃这个帐号,不要再投入过多的精力,因为这样的帐号已经没有价值了。在抖音号交易圈里,有一些人分享过“权重补救方法”,这些方法有人都用低权重帐号一一试验过,发现并没有太大的作用。当然这也有可能是因人而异的,如果大家想要尝试也可以自行操作。① 严格1机1号,不要使用模拟器② 降权期内只发布原创视频,并且使用抖音APP拍摄,不要使用视频上传功能③ 多参加官方的热门话题,多使用热门音乐,多@抖音小助手四. 影响后续权重的4大因素在一个新抖音号经过前5个视频的初始权重确定之后,影响后续帐号权重的主要因素有4个,分别是播放量(播完率)、点赞、评论、转发,这4个因素的重要性从高到低为播放量(完播率)>点赞>评论>转发。在视频成功发布之后,系统会根据你的当前权重推荐给一小部分用户,如果用户完整看完整条视频,那么系统就会认为这才是1个播放量。然后,系统会根据剩下的3个因素的具体数据,综合起来计算出本条视频的质量,如果达到甚至高于系统设定标准,就会被视为优质内容,系统就会给到更多的流量推送,让该视频得到更多的曝光,这就形成了一个完整的热门视频的被推荐过程。五. 帐号权重提升的技巧既然一个抖音帐号能否上热门,能否快速涨粉都和权重有着密切的关系,那么除开每一个视频的表现能够改变权重以外,还有没有什么小技巧可以实现权重的提升呢?①视频发布时间不同的时间段视频的点赞数有着很大的差别,据统计,下午13:00和晚上18:00是点赞的高峰期。② 绑定官方热点或者热门在抖音中有着很多的热点话题、挑战、官方活动等,这些内容都是可以获得官方的推荐权重的,所以往往这些视频可以获得更高的播放量,进而提升点赞几率。③ 多用热门音乐用户都是爱跟随潮流的,哪些BGM火了就将该BGM套入到自己的视频当中,用户在刷到这个视频时就会觉得这个音乐很熟悉很亲切。④ 多@抖音小助手事实证明,@抖音小助手确实是对上热门有一定的帮助,建议所有视频都带上。⑤ 定位到热门商圈在发布视频的时候定位到热门商圈也是能够提升视频权重的。六. 违规操作不要有违规操作包括但不限于发广告、敏感话题、非正能量、带货、留微信,QQ,电话号码等,这些都是不被官方允许做的。唯一需要注意的是,带货可以利用10000粉丝后开通的购物车功能操作,留微信建议使用谐音字在帐号的个人简介中留下。实际上抖音对于这一块的管理并没有想象中严格,主要的还是针对视频中的违规情况。所以尽可能把这些信息留在非视频的其他地方,评论区也是一个不错的方式。七.精准定位形象ip随着抖音用户的爆发式增长,这个平台也越来越像是一个做节目的媒体了。而在这种情况下,没有给自己找准定位的抖音用户就很难获取平台的流量和粉丝,就算偶尔有一两条视频流量爆发,但是因为主体本身没有持续性,也很难拥有大量粉丝成为达人。所以给账号选择一个ip定位非常重要。抖音是一个中心化的产品,比较倾向颜值高/有才艺/有特色的人群。才艺类的达人在抖音上的比例相对较大,而且粉丝积累也比较容易,当然前提还是要有自己特色,列如代古拉k就是她的笑容和腿,比较吸引人。王贰浪/王北车就是他们的歌声比较动听,能够打动人。而且他们发布的内容你去看的话,基本都是舞蹈和音乐类目的,没有乱七八糟的东西。Ip定位非常的准确。有颜值有才艺的毕竟的是少数人。大多数“普通人”该如何去做抖音呢?首先在ip选择上,可以剑走偏锋,选择一些搞笑类视频,或者中外的喜剧电影去模仿。你只需要稍加改编,甚至按照原剧情来演绎,只要变现力好,基本上都可以获取不错的粉丝和流量,比如“尬演团队”“麦田”“七海秋”“马喵喵”等等都是模仿影视剧的经典桥段,并且都在短时间内粉丝过百万。如果懂得拍摄和后期剪辑的话,街采和街拍类也是一个不错的选择。投入成本小,积累粉丝快,而且后期变现能力也很不错。例如杭州街拍/街拍路人甲/街拍滚叔等都有10-50w的粉丝不等,而且做号的时间都不超过两个月。街采类节目,例如火遍大江南北的“成都最街访”,他从申请账号到“小甜甜”全国爆火,整个时间只用了不到两个月,而他们真正发布内容的时间不超过一个月,单就小甜甜这一个视频给他们账号涨粉100多万。目前他们已经注册了商标,并且在全国范围内招募合伙人准备在每个城市都开设一档街采节目,做成连锁的短视频品牌。鸡汤类节目,主要看点是能引起广大粉丝的精神共鸣。在现代社会压力巨大的背景下,年轻人十分需要一个情绪宣泄的出口,这也是鸡汤类账号存在的必要性。但是鸡汤类也尽量不要做纯图文的,一是不那么的走心,再者后期变现图文类的账号也会毕竟困难。一般是前期做好煽情的配音,然后由人去说出来,或者配一些拍摄的真人的画面等等。新片场学院推出的《抖音实战攻略:从0开始打造爆款抖音号》正在预售特惠中,课程共八大模块,从抖音的行业概况与前景讲起,涵盖如何定制人格化的内容账号,如何制作能打动流量的内容,如何抓取核心粉丝用户为自己的产品做反哺以及导师的素人孵化实操成功案例讲解等。传授可复制的抖音爆款方法论,带你从0开始打造爆款抖音号。?点击“立即报名”或扫描识别下方二维码

  • 干货 | 让画面动起来的三个拍摄小技巧

    本期电影自习室,渣哥从线下实训的课堂里“偷”出了几个小技巧,教大家如何让画面动起来。视频是动态的,拍摄时大家要注意每个镜头尽可能的有元素可以动起来。运动的元素,可以是被摄物体动,可以是摄影机动,也可以是光线运动。我们把咖啡豆放置在黑色亚克力板上,顶部架设了镝灯作为主光源。由于咖啡豆是半球体的结构,在顶部打光后,咖啡豆的下部无法照亮,所以我们在斜侧方用了反光板补光,使咖啡豆显得更加饱满。在镝灯上加了CTO色纸(橙色),强化出美食质感。由暗变亮的光效,是在开机后匀速转动架设顶光源的魔术腿得到的。如果因为抖动无法得到均匀的摇光,可以采用升格拍摄后期慢放,淡化抖动,使灯光变化比较均匀。这个镜头把机位架在了顶部,咖啡豆底部用黑布做背景。机位的上方打了一盏灯作为主光源,然后加上柔光布,在左右两边使用米菠萝进行反光。让灯光尽可能覆盖整个白布,白布尽量贴近被摄主体,远离灯的方向,这样就可以得到相对比较柔和的光线。灯光架设好之后,找好焦点,轻轻一拍,就能得到以上的画面了。这个镜头是在一个地铁的实景棚里拍摄,那么是如何做到在一个不会动的地铁车厢里控制光线,制造出地铁飞驰的状态呢?如图所示,灯光被打在一个三角柱形的反光板上,灯光师转动反光板,让光线间隔性地反射到地铁内,就制造出了车厢运动的感觉。画面中这个明亮的发光物体就是一个由包裹了高反光材料(如锡纸)的泡沫板组成的三角柱形反光板,把灯打到这个反光板上再转动它,就形成了地铁高速行驶的效果。如果大家想控制速度的话,只需要控制你转的反光板的速度就可以了。光线的运动往往是大家最少接触的,但是却是你最容易和大家拉开差距的地方,作为一个好的摄影师,好的导演,对光线的理解和控制是非常重要的。如果想学习更多控制光线的理论和技巧,并且亲自动手实践,增强对光线的控制提升画面质感的能力,新片场学院线下实训将帮你把知识变为本领,让作品加速诞生!>>>点击了解课程详情

  • 终于等到了!梦工厂入围奥斯卡动画短片正片终于出来了~

    点击上方蓝字CG世界 关注CG我们“ 感知CG · 感触创意 · 感受艺术 · 感悟心灵 ”中国极具影响力CG领域自媒体近些年来,一些国外动画公司除了制作故事片之外,已经把注意力放到了动画短片项目上。这些制作的短片,既可以用作锻炼新晋导演的平台,又可以测试新的动画工具和技术,比如梦工厂动画去年就开启了他们短片项目。今天咱们要分享的就是这样一部动画短片《Bilby》,目前也是第91届奥斯卡最佳动画短片的角逐者之一。其实这个短片预告和制作解析很早就出来了,我们一直等它的正片出来。这回总算等到了!点击下面的视频,进入正片时间。8分钟的无对白短片讲述了一个关于坚持和陪伴的故事。在澳大利亚内陆荒漠,一个孤独的兔耳袋狸Bilby不仅要在恶略环境中活下去,还要忍受致命天敌的日常骚扰。逃命途中偶然遇到一只幼鸟,本不想多管闲事的Bilby,竟然当起了“监护人”,历经重重考验和磨难,保护和陪伴着幼鸟,直到它可以展翅飞翔。 动画短片的故事情节简单明快,多方面的细节刻画都表现出了Bilby身为“监护人”内心的挣扎纠结、担惊受怕,以及幼鸟的无知无畏。其实这部短片是梦工厂三位动画师晋升导演的转型之作,在使用蒙太奇表现手法的同时,又测试了灯光渲染引擎Moonray、离散工具Sprinkles、用于草地和毛发的风力系统和制作循环动画的动画工具。别蒙13,接下来咱们一点一点详细来说。三人行从《Larrikins》到《Bilby》咱先得介绍下本片的三位导演。他们分别是动画师、故事版&角色设计师Pierre Perifel,首席动画角色师Liron Topaz和动画总监JP Sans。照片从左到右依次为:Liron、Pierre、JP三人的第一次合作是梦工厂以澳大利亚动物为动画形象制作的影片《Larrikins》的时候,原计划今年2月份上映,但是因为某些原因被砍掉了…砍…掉…了…“如果上帝给了你一颗酸柠檬,你可以用它来榨柠檬汁”,他们决定重新起用了被砍影片的部分角色资产,在硝烟中“颤颤巍巍”地扶起了《Bilby》的新故事。幸运地是,这一想法得到了梦工场动画总裁的支持。影片最初的想法,是想要呈现一个关于“永不放弃”的角色故事,无论境遇多么疯狂,成功的希望多么渺茫!三位导演都非常喜欢这个故事,觉得只有这样才能和观众产生情感上的联系。而且他们仨人都已为人父,都深知父母对孩子付出的爱和情感。就这样确定了Bilby在荒漠中遇到幼鸟,不顾一切想要保护它的故事。可能是之前共同参合作过项目的原因,这三位导演似乎已经形成了天然的默契,很多时候不需要沟通,大家都能想到一块去。风格化外观,实现效果与情感的平衡短片的荒漠化环境对于制作来说非常有利。一开始创建故事版预览的时候,他们惊喜地发现只需要简单的地平线,形状鲜明的悬崖,背后加些云,简单的图形框架,再一合成就可以了。短片的艺术总监认为,画面背景可以采用标志性的颜色来突出角色形象,所以Bilby是蓝色的,幼鸟是白色的。短片开始时,两个角色形象与偏红色的土地和浅色的天空在颜色上就形成了对比。偏红色预示着环境危机四伏,令人感到焦灼;短片最后一个序列,海的蓝色映衬着Bilby形象的蓝色,白色的云朵映衬着鸟的白色,预示了陪伴的宁静和逸致,这些都是制作团队精心设计的。角色设计、相机运动、音乐、剪辑等每一个环节的艺术家,在整个过程中都在不断地进行沟通各种问题,比如该如何保持风格的一致性;如何用简单的方式呈现效果;如何利用场景描述故事等等。在创作写实效果的同时,要保证动画足够吸引人,还要使观众能够感受到短片中正在发生的事情,产生情感上的联系。制作团队的每一个成员都清楚地了解该怎么样去把握这三点之间的平衡。蒙太奇手法表现危机四伏导演Pierre介绍说,采用蒙太奇手法要实现两个目标。首先是要表达在两个角色在相遇时,Bilby对于要不要照顾幼鸟的那种很不情愿的心理,到最后对幼鸟的陪伴和关怀;第二个目标就是以一种戏谑娱乐的方式呈现出这个世界到底是有多么的危险和可怕。 最开始第一版蒙太奇手法其实设计的非常简单,就是幼鸟在画面的正中间,Bilby会从各个危险情况中给她解救出来,这样的话感觉重点好像是在幼鸟身上。这毕竟是一个关于Bilby的故事,所以制作团队决定改变角度,以Bilby的视角讲故事。通过蒙太奇的手法来表现似乎是很有趣的制作过程,但是如何把不同场景连接到一起,让观众紧跟镜头节奏,不丢掉任何一个关键细节的信息是他们遇到的另外一个问题。 他们头脑风暴了无数种方式,但都因为时间节奏不相符,没办法采用到最后的剪辑中。在确定蒙太奇的使用方式奏效之后,他们把镜头剪在一起,确保这种创意方式,会随着故事发展给观众一种越来越搞笑的感觉。但是每次看剪辑制作团队都觉得危险这部分描述不够长,都想再加几种不同动物对他们造成的威胁。后来他们决定用自然环境中的不同元素来进行延续,并呈现出了“就是这个感觉”的最终效果。测试新的动画工具和技术的平台这部动画不仅是三位动画师转型导演之作,更是测试新动画工具和技术的平台。在《Bilby》之作的过程中,涉及到灯光渲染引擎、碎片离散工具、用于草叶和毛发的升级版风力系统,还有制作角色运动和群集效果的动画工具。我们分别来了解一下。灯光渲染引擎 MoonrayMoonray是由梦工厂开发的一款基于物理专用渲染引擎,《Bilby》是其第一个测试平台。在这之前,制作人员不得不做假来实现写实效果,但是利用Moonray对于光线、反射光,以及物理学内容的推断,渲染能够以物理基础作为起点,这与之前是完全不同的。 《Bilby》的制作过程其实也是Moonray的基础测试过程。出现问题、进行调试、解决问题。为了能够将这一物理渲染引擎应用到其他影片的制作中,制作团队进行了各种试错和调试工作。碎片离散工具 SprinklesSprinkles系统在一些靠近地面镜头的制作中发挥了重要的作用。它能够捕捉到已有的预设资产,比如小的碎石子、树枝、树叶和其他地面上的东西。通过像是一个3D画笔的命令,将这些资产填充在地面上,避免了复杂的手工操作,能够让画面更真实可信。在短片中出现了大量的细小石子,如果做几百万个碎石子的几何体是很不现实的,但是通过Sprinkles系统,只需要增加一些资产就能实现,而不会过载。其实这个与很多离散工具功能差不多。角色运动和群集效果的动画工具 Locomotion制作团队想要为不同角色创建运动方式,又不想通过计算来实现动画,所以开发出了Locomotion。每一个角色都有独特的特征,有着不同的行走和跑步方式。要是从头开始创建内容,每次也只能做一个角色走路或者跑步的效果。动画制作非常耗费时间。而Locomotion可以为不同角色创建动画,然后利用过渡将多种运动方式串联在一起,非常省时高效。一开始只提供大概的基础,动画师在这个基础上制作角色运动,无论是角色走路的动画,还是对于其他角色或者周围环境的反应,或者类似于群集的镜头,都不会像以前那样耗时费力。在短片中出现了很多动物群集,是动画师利用Locomotion进行制作的,节省很多时间。它优点在于把角色文件放到一个路径下,轻轻点击鼠标就可以“让它跑它就跑,让它停它就停”,再按几下,预制动画就可以平滑地拼接在一起。如果是场景地形、相机角度发生了改变,或者是想要改变角色运动位置,只要简单地修改曲线就可以了。目前已经应用到《驯龙高手3》的制作当中。用于草叶和毛发的升级版风力系统在短片后面的序列中有很多风的镜头,如何让兔耳袋狸和幼鸟的毛发跟着草的节奏随风飘动,还要飘的特别好看,是制作团队需要解决的问题。风、草叶和皮毛这三者都要按照同一个节奏进行运动。 梦工厂动画师Jason Weber自己开发了这么一套用于草和毛发的风力系统,并根据《Bilby》的制作要求进行了升级,可以对场景中的元素进行精确计算,效果准确而又连贯。系统可模拟每一片草叶,草叶之间交互。且风吹过宽叶子和窄叶子所产生的效果也都是不同的。 《Bilby》故事版展示部分概念展示部分镜头making of《Bilby》参与了第91届奥斯卡最佳动画短片的角逐,所以你会为它投一票吗?

  • 《黑镜:潘达斯耐基》到底是什么?

    在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注影映营获取更多放映资讯!最近在网络上几乎都是关于电影《黑镜:潘达斯耐基》的宣传,“黑镜系列的拯救者”、“新式电影开拓者”、“盗版大救星”、“世界首部互动式电影”都成为了这个黑镜系列首部电影的“身份标签”和宣传噱头。但是,对于一个从事影视制作的游戏爱好者来说,这部挂满头衔的《黑镜:潘达斯耐基》到底代表了什么?我觉得关于这三个问题大家需要思考一下:1. 互动式?电影?游戏?到底是什么?2. 对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?3. 这部电影能带给创作者哪些灵感与启发?《黑镜:潘达斯耐基》 宣传海报1.互动式?电影?游戏?到底是什么?关于其定位到底是什么?我们有必要先了解一下“互动式”在现代影像娱乐行业中的历史,也就是我们所说的游戏与电影、电视剧。1958年10月,诞生了世界上的第一款互动式模拟电脑游戏,同时也是第一款拥有图像显示功能的电子娱乐游戏——《Tennis for Two》(双人网球),并且它的开发者还参与了世界上第一颗核弹的研发工作。在用来显示导弹轨迹的示波器上运行的《Tennis for Two》同样在1958年,诞生了电影史上第三次具有世界影响力的电影运动——法国新浪潮电影运动。打开了低成本电影制作的大门,让电影业余爱好者得以成为电影的创作者,也让更多的年轻人得以与电影产生“互动”。法国新浪潮“五虎将”“互动式”这个概念从游戏的诞生之初便已存在在20世纪80年代,相较于欧美对于图形处理技术的深入开发,日本的游戏业却另辟蹊径,结合其成熟的漫画体系创造出一种日本独有的游戏类型——Galgame,一种通过选项的选择来触发不同剧情发展的美少女互动式游戏。百度百科中对于Galgame的描述 在一段时间内Galgame更是成为各国游戏爱好者对日式AVG类型游戏的定位认知(AVG:Adventure Game,冒险类型游戏)。甚至时至今日,图片+文字也依然是Galgame的主流呈现方式。而Galgame不只代表了日本“宅”文化、二次元文化的标志,也是“通过选择来决定剧情走向”这种互动方式的重要代表形式之一。日本著名游戏厂商Konami出品的《心跳回忆》系列,早期Galgame的代表游戏之一随着电脑图形处理能力与游戏引擎的不断开发,游戏的画面从原来的图片、二维动画衍生出2.5D、三维动画等表现形式,让电子游戏的画面效果能够接近动画电影的质量。并且随着近十几年来兴起的影游联动的市场推广策略,也使得电影与游戏之间产生了更多的交互。而提到互动式电影游戏,大家或许还有些费解,不过美剧《行尸走肉》的同名游戏应该有人了解过或听说过。其实这部游戏便是互动式电影游戏,游戏行业更确切的定位叫做剧情体验式冒险游戏,该游戏与剧集一样都是通过原版的漫画改编而成,相较于漫画与剧集那种被动式的娱乐感受,互动式的游戏方式让你可以更加深入故事,获得更多信息来形成更为完整的世界观念。《行尸走肉》 实际游戏画面《行尸走肉》系列游戏的开发者是有着欧美地区“剧情向冒险游戏领军者”称号的Telltale游戏工作室,自2010年起推出过《回到未来》、《侏罗纪公园》、《蝙蝠侠》、《银河护卫队》、《权力的游戏》、《行尸走肉》等多款影视类游戏,然而因为游戏引擎的画质一直保持较低的质量水准,游戏内BUG和卡顿又多,使其推出的游戏口碑不断下降。最终,在2018年9月宣布公司倒闭,由此也可以见得画面质量是衡量互动式电影游戏的重要指标之一,其核心其实与Galgame的满足二次元审美需求相同,电影游戏便是要满足电影级别的画面质量。可在所有平台运行的互动式电影游戏《奇异人生》而说起成功的互动式电影游戏,就必须提到Quantic Dream,一家一直在尝试打破影视与游戏界限的游戏工作室,从初试锋芒的《幻象杀手》,到2010年使用真人表演动作捕捉技术完成的《暴雨》,再到2013年推出由艾伦·佩吉、威廉·达福出演的《超凡双生》,凭借精美的游戏画面、精良的视听语言与剧作水准,Quantic Dream成功的让大众了解了什么是互动式电影游戏。游戏《超凡双生》 游戏海报在2018年5月推出的《底特律:成为人类》更是成为互动式电影游戏的标杆,也将该类型的内容推向了互动式电影与游戏的临界点,可以说《黑镜:潘达斯耐基》与《底特律:成为人类》是彼此的一面镜子,成为了“互动式”概念的两大承载媒介的先锋军。最接近游戏的电影——《黑镜:潘达斯耐基》最接近电影的游戏——《底特律:成为人类》在未来可能会结合VR技术成为一种独立的娱乐形式,“互动式影像”(Interactive Pictures)或许将成为这种形式内容的代名词。《底特律:成为人类》 实际游戏画面2.对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?我觉得首先要了解什么是电影,什么是游戏。电影业内有两句名言,正好从两种不同的角度解释了电影带给观众的体验感受:“摄影是真理,而电影是每秒24格的真理。”这句话出自让·吕克·戈达尔,新浪潮运动的代表人物,同时也是用电影来对抗好莱坞的世界仅存的电影大师。解读一下这句话就是“摄影是通过影像媒介来记录真实,而电影便是通过每秒24格的影像来展现真实”,不过过度解读一下或许也可以解释为“呈现创作者所想要表达的真实”。那么,从观众的角度来看,电影便是将创作者精神世界中所构建的“真实”呈现出来,告诉观众“我”想表达的内容。《黑镜:潘达斯耐基》 影片截图而游戏最初便是为了娱乐而生、为了展现现实之外的幻想而生,随着计算机数据处理能力的进步,使游戏从最初给予玩家互动权力的传统型游戏,发展到由玩家自主选择互动形式的沙盒型游戏,也为很多独立游戏注入了精神内核,成为“不再单纯”的有价值的游戏。创作者构建世界观、故事与道德行为框架,通过玩家的自主选择行为产生互动,从而构成完整的互动式体验。不同于电影的是这种主观的选择可以让玩家从更多的角度,获取到相对客观的立体式感受,体会创作者所呈现的完整的精神世界。在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家接受信息的方式的不同:电影,是在获得中体会:“主角不是我,面对抉择我可能会怎么选择?我在幻想”游戏,是在探索中体会:“主角是我,面对抉择我这样做会发生什么?我在感受” “电影是一门遗憾的艺术”这句话没有找到具体的出处,但是却很好的阐述了电影“点到即止”与“意犹未尽”的技巧,创作者讲述“遗憾”让观众产生憧憬与幻想,让画面外的故事比画面内的还要吸引人。而对于创作者而言,总会认为自己的电影只要还有时间,就一定能做的更好,始终觉得是一部遗憾之作。正所谓“金无足赤,人无完人”,遗憾也是一柄“双刃剑”。信息交代的过多便会扼杀想象,而交代的过少便会产生破坏情绪的连贯性、破坏节奏、破坏电影的体验感。电影《爱乐之城》 影片截图然而对于游戏来说,这种遗憾便显得弊大于利。因为绝大多数游戏世界都是构建于现实之上,呈现的是非现实的故事内容,玩家因为缺少对陌生环境的认知信息,所以渴望获取更多关于“这个世界”的内容,了解更多关于“这个世界”的故事。并且“恐怖谷”效应也使得玩家无法产生信服感,而游戏无法获取如真实世界般庞大的信息支持,只能获取视觉、听觉的感官信息与少量的、非对称的触觉反馈,无法引起心理或生理的共鸣。因此内容的缺陷、情节的缺失,都将严重影响游戏体验效果,破坏玩家在过往的游戏体验中所建立的世界观、精神意象与操作习惯,进而破坏玩家继续进行游戏的欲望。关于“恐怖谷效应”的图示在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家对“那个世界”的认知与需求的差异:电影,是在83%的已知中寻找那16.66%的未知:“主角虽然不是我,但是我知道那些是什么感觉”游戏,是在不足33.33%的已知中寻找66%的未知:“主角是我,但我想要知道那些是什么感觉” (假设人有6种感官,100%时为全知状态,那么视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉、心觉将分别占比约为16.66%)而回到主题《黑镜:潘达斯耐基》上,该片会让人在享受获得的时候出现分支选项,打断你的观影体验,把你甩回现实让你把它当成游戏,而这样反复的体验会让人觉得“烦躁”,有种在电影院安静享受观影的时候,突然你的前方出现了一个卖报纸的把屏幕完全遮住,伸出两只手问你买还是不买,买就拍他的左手,不买就拍他的右手,并且只有在你拍了他的手后才能继续观影。如果有意念分析控制器请给我来一套!精神控制选择绝对会有助于观影体验。3.这部电影能给创作者带来哪些灵感与启发?我个人觉得《黑镜:潘达斯耐基》是一部先锋式电影的融合性尝试,毕竟只有实际测试过才能获得足够的反馈信息,来进行下一次的改进型尝试,改来改去没准儿会出个旷世奇作也是有可能的。所以从现在我们大众所能够感知的反馈有哪些呢?如果它注定是一个孤本,那么就自带了“旷世奇作”属性,所以从负面影响说起吧。第一点,会影响叙事的连续性。电影的发展一路走到现在,视听的技巧使用一直在围绕“如何将观众更好的带入故事情景之中”、“如何让观众对剧中人物的情绪感同身受”这两个点做“8”字形的回环运动。而在某些时间点上出现能够影响剧情走向的选择题,势必会将这个“8”字形运动拆解成互不关联的两个“0”,进而影响观众的代入感或是影响观众对人物情绪的感知。第二点,制作成本与收入将不再对等。原本90分钟的影片变成了312分钟,拍摄、制作的时间与成本都将成倍数的提升,但是现有院线与未来很长一段时间内院线都不会提供这类型的观影服务,毕竟屏幕只有一块,如果人人一块屏幕,电影院的放映优势又在哪里呢?并且在网络平台进行播放,预计也只有少部分人会完整观看所有分支内容,除非包括每次选择在内的镜头都由不同的方式呈现,否则重复感将会让观众失去新鲜度产生厌倦,但按此方式1部电影将变为至少3部电影。再就是普通观众很少会为已经付费的影片在短时间内继续付费观看,如果以吸引VIP付费用户来衡量,花3部电影的钱拍1部电影,平台因此而入不敷出只是时间问题,该类型内容的付费形式有待改善与创新。 接下来说说这种类型的优势:第一点,与剧作内容的关联互动。《黑镜:潘达斯耐基》之所以选择互动式电影这种游戏式的观影形式,很大程度上是因为与剧情故事有着高度的关联性,影片讲述的就是一个游戏开发者将交互式小说《潘达斯奈基》开发成一款游戏,然而很快现实和虚拟世界混合在一起,让他的选择也开始影响现实生活造成混乱的故事。通过与剧中人物类似的互动形式,强化了观众与剧中人物情绪的关联,让观众产生期待,并且在观影结束后产生想要浏览其余分支走向的情节,体验不同的故事的冲动。第二点,防止盗版。这一点毋庸置疑,简直就是影视行业的最佳优势了,还有什么能比防盗版更吸引人呢,平台独播也是能因此而扩充一大波VIP用户付费,这一箭,好雕!第三点,感恩大礼包。作为口碑日渐衰落的《黑镜》系列,一部这样形式的电影的出现就是一部满足各类观众需求的观影大礼包,也成为了《黑镜》系列观众的一针强心剂。看过的会期待下一季,没看过的会回览前几季,这模式做的,好雕!所以回顾国内电影,基础的剧作、视听都不过关,更不可能有这种能够让电影、平台双赢的创新性想法了。 回归正题《黑镜:潘达斯耐基》其实本质上是一部电影,其余内容则是包裹了能够辅助营销宣传的互动式游戏。然而这部电影却是一部强互动的电影形式,联结了电影、游戏与平台,三维式的互动让形式与内容得以相互支撑,这一箭,真的好雕!反观国内不争气的剧作与视听,到现在连营销手段都落后不知几百公里了。竟然还依然兴高采烈地抱着IP不撒手、有特效就想比拼阿凡达和指环王,累不累?毁书不倦乏不乏?电影《阿丽塔:战斗天使》 影片截图 醒醒吧!电影特效都已经到这种级别了!别沉浸在自己的幻想中做白日梦了,梦想网大与院线“互动”吗?最后,敢问各位兄弟姐妹们,对于网大式的院线电影咱能先看看预告片了解下不?都说新年新气象,万一疏忽了看了这片子,新年这开门儿彩可真是不可描述呢?到底是怒不可遏?火冒三丈?勃然大怒?还是痛不欲生啊?高能预警提示!.预警提示!.提示!.!不可描述的IP良心巨制在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注 影映营 获取更多放映资讯!如果您对我们的内容认可的话就转发分享给更多朋友吧!每月1个电影主题,每周举办1次电影放映活动!感谢您的关注,有想看的电影可以告诉我们呀!影映营

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